Posts Tagged ‘ escultura ’

La desproporción jocosa de Botero

 

Suscribo las palabras que el galerista libanés Gary Nader expresó en una ocasión: “Las esculturas de Botero te poseen porque son casi como edificios. Pero además de su presencia imponente y de su valor estético, le dan alegría al espectador porque son jocosas”. Veamos mi pequeña selección de las muchas que se han expuesto o están repartidas por el mundo.

“Mujer fumando”, ejemplar único en mármol blanco, 58,4 x 141 x 56 cm (1986). Foto: http://www.invertirenarte.es.

“Caballo”, Chatsworth House de Derbyshire, Inglaterra (2008). Foto: EFE.

“Cabeza” Tokyo, Japón (2005). Foto: Rmleon (Wikipedia).

“Bailarines”, Chatsworth House de Derbyshire, Inglaterra (2008). Foto: mike t-d (Flickr).

“Mujer sentada”, Milano, Italia (2007). Foto: AMLobos (PBase).

“La mano”, Madrid, España (1994). Foto: Pablo Arias (Flickr).

Anuncios

Isamu Noguchi, escultor, diseñador, paisajista…

Retrato de Isamu Noguchi.

Retrato de Isamu Noguchi.

Isamu Noguchi (Los Ángeles, 1904 – New Yok, 1988) fue escultor, arquitecto, poeta y diseñador de muebles y paisajes. Gracias a su aproximación a todos estos campos como si de escultura se tratasen, extendió la definición clásica de escultura y difuminó los límites entre las bellas artes y el diseño utilitario.

Noguchi quiso infundir de relevancia social y práctica al arte y crear objetos para el día a día que fueran al mismo tiempo útiles y bonitos.

Uno de los modelos de Akari Light Sculptures, de Isamu Noguchi.

Uno de los modelos de Akari Light Sculptures, de Isamu Noguchi.

Nacido como Sam Gilmour en Los Ángeles, hijo de la escritora y profesora americana Leonie Gilmour y el poeta japonés Yone Noguchi que lo abandonó, Isamu Noguchi creció y fue educado entre Japón y Estados Unidos. Su interdisciplinario e intercultural acercamiento al arte estuvo influenciado no sólo por su contacto con el modernismo occidental y el tiempo que pasó asistiendo al escultor Constantin Brancusi, sino también por sus viajes a Asia, donde no hay distinción entre bellas artes y artes aplicadas.

Nunca formó parte oficialmente de ningún movimiento o grupo de artistas, pero durante su carrera Noguchi trabajó con, y para, varios artistas de renombre. Trabajó para Diego Rivera en Nuevo Méjico, y recibió un encargo de George Gershwin mientras vivía en Nueva York. Desde 1935, colaboró durante años con coreógrafos como Martha Graham, Merce Cunningham y George Ballenchine. Desarrolló una permanente amistat con Buckminster Fuller, diseñador, ingeniero, visionario e inventor estadounidense.

Durante los años 40 y 50, diseñó sillas y mesas de formas esculturales para Herman Miller y Knoll. Aplicando técnicas artesanales tradicionales japonesas, también creó sus famosas Akari Light Sculptures, lámparas de papel de arroz para el uso cotidiano. Más adelante, Noguchi trabajó en diseños más grandes, incluyendo fuentes y jardines, los cuales veía como escultura única. Usando agua, vegetación, piedras talladas y naturales, creó espacios que apelan a los sentidos y respetan la naturaleza y la cultura al mismo tiempo. Sus proyectos al aire libre constituyen un importante legado que se extiende por una setentena de ciudades norteamericanas y otras como París y Jerusalén.

Jardines de la Sede de la UNESCO de París, de Isamu Noguchi.

Jardines de la Sede de la UNESCO de París, diseño de Isamu Noguchi.

To the Issei, Japanese American Cultural Community Center, Los Angeles.

To the Issei, Japanese American Cultural Community Center, Los Angeles.

Jardín del Domon Ken Museum, Sakata (Japón), de Isamu Noguchi.

Jardín del Domon Ken Museum, Sakata (Japón), de Isamu Noguchi.

California Scenario, de Isamu Noguchi. Un espacio de 1'6 acres entre altos edificios de oficinas en Two Town Center (California).

California Scenario, de Isamu Noguchi. Un espacio de 1’6 acres entre altos edificios de oficinas en Two Town Center (California).

(Fuentes: artículo sobre el artista en Discover Nikkei (en inglés) y artículo en Modern Furniture Classics (en inglés) y Wikipedia. Imágenes recopiladas de la www.)

Las arañas de Louise Bourgeois

Una de las famosas arañas de bronce, acero y mármol, instalada junto al Museo Guggenheim de Bilbao (imagen tomada del blog Eclypse)

La escultora franco-estadounidense que afirmó que “el arte es la garantía de la cordura”, falleció el pasado mes de mayo a la edad de 98 años, dejando un gran vacío en el mundo artístico. Louise Bourgeois trabajó hasta el último momento, del mismo modo que mantuvo abierto su salón dominical en el que recibía a jóvenes artistas, siempre que su salud se lo permitía, en su viejo caserón de Chelsea. Siempre a la vanguardia de nuevos desarrollos artísticos, siguió un camino totalmente personal a través del cual alcanzó una gran originalidad, aunque se la suele relacionar con el surrealismo, el primitivismo y la escultura modernista de artistas como Alberto Giacometti y Constantin Brancusi.

Artículos interesantes sobre la artista y su obra: Honoring the queen of Existential Art, Contar la propia historia, Adiós a la escultura de todo un siglo.

Fuentes: La Vanguardia, El País y los textos referenciados anteriormente.

La rebeldía de Ángela De La Cruz

La obra de Ángela De La Cruz se caracteriza por la deconstrucción de sus pinturas que acaban presentadas cual esculturas tras haber sido rotas, rasgadas o manipuladas de distintas maneras.

Deflated (2009), de Ángela De La Cruz

Ashamed (1995), de Ángela De La Cruz

Loose fit (blue) (2002), de Ángela De La Cruz

Untitled (1999), de Ángela De La Cruz

Para conocer más a fondo su obra y biografía, ver el reportaje que publicó El País el año pasado.

Más de Kounellis

kounellis_armoire

What is kept in an armoire? Private things, one’s clothing – cloth that touched the skin. Is this a metaphor of memory or the self, unreachable now, tied and suspended? A state of psychological closure, an inturning. And the window beyond: every pane save one is leaded over, blocked out. Perhaps that single open pane allows for the potential or possibility of release.

Entrevista a Jannis Kounellis, artista contemporáneo

Jannis Kounellis, artista contemporáneo, padre del arte povera

“La globalización cultural que nos venden produce ligereza”

por IMA SANCHÍS  para La Contra – 15/02/2008
Jannis Kounellis por Anxo Iglesias

Jannis Kounellis por Anxo Iglesias

Nací en 1936 en El Pireo, Grecia, y vivo en Roma. Casado, tengo un hijo y una nieta. Hoy los políticos carecen de prestigio y de idea del poder, y el poder, como la pintura, es unidad. Creo en la fuerza determinante y en que a través de la lengua creadora se crea un universo.

¿Cuál es el punto de partida?

Cuando a los 18 años abandoné Grecia y me fui a Italia había un porqué, y ese porqué ha diseñado toda mi vida.

¿Y el antes?

Guerra civil y todo eso.

¿No le marcó?

Me violentó, pero no me detuvo. Yo quería ir a Italia porque al icono bizantino de una Virgen le falta la carne, y yo quería encontrar a la Virgen reencarnada de Tiziano que como modelo tenía a una prostituta.

Así que partió en busca de la Madonna.

Todo eso se traducía en la búsqueda de un camino liberal. Esa apertura me permitió ser dialéctico. En realidad, fui en busca de la promesa de que los otros tienen razón, una razón que se puede compartir.

¿Y qué ha aprendido de los otros?

A través de la lengua, de la creación, pude descubrir una unidad a pesar de las diferencias. Las diferencias son el pan y el agua de la dialéctica, es una diferencia abierta.

¿Adónde le ha llevado?

Cuando expongo en un museo, el marco de mi obra es el propio museo. El pintor de caballete vivía dentro del cuadro, salirse de ese orden es algo muy distinto. El inicio del renacimiento es ideológico, basta con ver una crucifixión: la cabeza de Cristo, hasta entonces inclinada, se pone en gloria.

¿En gloria?

Sí, recta, levantada. La idea de la sombra, la perspectiva, todo eso no es algo óptico sino ideológico. Yo parto de ese punto para dar significado a mi propia libertad.

Entonces, lo de arte pobre es un calificativo equivocado.

No es equivocado, porque efectivamente participé, pero mi punto de partida fue el renacimiento, que fue la primera formalización de la crítica moderna, aunque nunca abandona lo antiguo, y yo tampoco. Lo antiguo es un pozo que se expande hacia la modernidad.

Utiliza plantas, piedras, carne, hierro, carbón, loros, caballos, ¿qué significa?

No lo sé, es una intuición. Las señoritas de Aviñón es un cuadro revolucionario, pero la gente llega después, y así debe ser, porque si llegara antes sería populismo. Las motivaciones reales vienen de una voluntad lingüística, es decir, de expresión, y esta es la revolución que un artista puede ofrecer.

¿Sus grandes pedazos de carne colgando vienen de la tradición, de lo antiguo?

Sí. Todos venimos de algún lugar, pertenecemos a alguna cultura y somos portadores de libertad por ello; el resto es folklore.

¿Qué piensa del ser humano?

Que su alma es positiva. El hombre ha producido cosas, como el nazismo, que tienen que ver con la decadencia de toda una cultura, la occidental. Un niño que crece con esos horrores es una víctima, pero pese a ello la cultura puede crear equilibrio social.

¿Cuál es su percepción del hoy?

La globalización cultural que nos venden produce ligereza y nos aleja de la realidad. Falta identidad, ¿qué identidad puede tener un poeta globalizado?, ¿cómo se puede escribir un poema de Beckett sin pertenecer a nada? Un poema no nace de la nada. Para contar una aventura debes tener una lengua, y si no la tienes, no eres un poeta.

¿Qué ha sido lo más difícil en su vida?

Nada. Cuando me afinqué en Italia sabía que ese era el primer peldaño para poseer una mentalidad con la que leer el mundo. Siempre voy a los sitios a hacer algo concreto, a compartir con otros que he escogido.

No le gusta la aventura, veo.

Me gusta esa aventura, la de que el otro me diga a mí o yo diga al otro; no quiero sentirme perdido en la multitud: sé que es hermoso, pero a mí no me basta.

Pero no sabía con qué iba a encontrarse cuando fue a dar clases a Alemania.

Estuve nueve años de profesor en la academia de Dusseldorf y siempre di mis clases con intérprete. Y no se trata de que no quiera aprender otra lengua, soy incluso capaz, pero considero que la lengua pertenece a una lógica y que cuando hablas una lengua hablas a propósito de esa lógica.

¿Qué merece la pena en la vida?

A mí me gusta el dinero, pero no daré algo esencial por dinero. Me gusta esa fantasmagoría que es la creación y que me empuja a hacer un nuevo trabajo.

¿Qué ha significado el amor?

La noche en que Joyce tuvo la primera cita con su mujer, que comenzó su pasión amorosa, empezó a escribir Ulises, una obra que le llevó diez años. Eso me conmueve porque determina la relación hombre-mujer en una tradición cultural que ve a la mujer fundamental a propósito de la construcción.

¿A qué se dedicaban sus padres?

Él era marinero y ella, sin éxito, era música.

¿Qué tiene de ellos?

Tengo de mi abuelo paterno que a los 17 años se fue a América y se hizo americano. Luego, cuando era un anciano, volvió a Grecia y se casó con mi abuela, que tenía 18 años, e hicieron diez hijos. Eso me gusta, es una vida verdadera, aventurera, hay voluntad. Partir, ser otro, y volver para comenzar de nuevo, no renunciar a nada.

¿Usted volverá a casa?

Mi Ítaca es Roma, es así; el problema lingüístico me tiene junto a Italia.

Pero la lengua es la de la madre.

Esa no basta, tu lengua es la de la construcción, de la lucha, del amor, y está más allá. Pero le reconozco que siempre que vuelvo a Grecia me emociono…, por poco tiempo.

HOMBRE LABERÍNTICO

Quien la vio la recuerda, una obra que consistía en cuartos de carne cruda putrescente de vacuno colgada a la altura de las narices (Barcelona 1989). Diez años antes, en Roma, expuso doce caballos vivos. También utiliza carbón, hierro, sacos, plantas, telas, abrigos… Dicen que en su poética contrapone la vida a la muerte, lo natural a lo industrial, sin perder la línea de lo clásico. El renacimiento, dice él, es su punto de partida. Sus trabajos pueden contemplarse en los mejores museos e instituciones del mundo y esta considerado uno de los grandes maestros del arte contemporáneo y líder del arte povera. Pasear con él entre sus sábanas colgadas (galería Carles Taché) es entrar en un laberinto.

La puerta cerrada con libros de Kounellis

Jannis Kounellis.  La puerta cerrada con libros (Instalación en la Biblioteca Nacional de Sarajevo, bombardeada durante la Guerra de los Balcanes. 2004. Proyecto “Ars Aevi”)

Jannis Kounellis. La puerta cerrada con libros (Instalación en la Biblioteca Nacional de Sarajevo, bombardeada durante la Guerra de los Balcanes. 2004. Proyecto “Ars Aevi”)