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29 de abril, Día Internacional de la Danza

 

Hoy es el Día Internacional de la Danza desde que así fue establecido en 1982 por el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional del Teatro ITI. Esta fecha conmemora el nacimiento de Jean-Georges Noverre (1727-1810), bailarín, coréografo y profesor francés, considerado el creador del ballet moderno. Cada año el ITI encarga la redacción de un mensaje que será leído en todo el mundo a una personalidad reconocida de la danza. El objetivo de la celebración es unir todas las danzas en este día para reivindicar esta forma de arte, su belleza, su importancia cultural y el enorme esfuerzo y disciplina de sus trabajadores, así como para recordar su universalidad.

En el vídeo podemos escuchar el Mensaje del Día Internacional de la Danza 2014, que fue encargado al bailarín y coreógrafo francés Mourad Merzouki, sobre un fragmento del espectáculo Boxe Boxe en el que aparece el bailarín Teddy Verardo (enlace al mensaje escrito y traducido al castellano).

Durante toda la semana se realizarán actividades por todo el mundo con motivo del DID’14. Algunas de las organizadas en España pueden verse aquí.

 

 

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Rafael Bonachela, coreógrafo

Llega a Barcelona uno de los coreógrafos más innovadores, versátiles e imprescindibles de la danza contemporánea actual: el catalán Rafael Bonachela, director de la Sydney Dance Company y de la Bonachela Dance Company:

(Imagen tomada de http://www.canberratheatrecentre.com.au/season2011.html)
 

Se cumplen ya tres años desde que Rafael Bonachela (La Garriga, 1972) asumiera la dirección artística de la Sydney Dance Company, la principal formación de danza contemporánea de Australia, en la que ya ha tenido ocasión de crear cuatro coreografías de repertorio, dos de las cuales llegan hoy –y hasta el domingo– al Mercat de les Flors.

Se trata de “6 Breaths” y de “LANDforms”, ambas surgidas en colaboración con el compositor italiano Ezio Bosso, que juntas conforman una velada especialmente representativa de la obra de este catalán bregado en Londres (el ballet Rambert le acogió como bailarín y le abocó a la creación coreográfica), tocado por la varita mágica del videoclip (se le conoce como el coreógrafo de Kylie Minogue) y rescatado de la crisis financiera, el gran fantasma del arte de la danza, en el momento más oportuno.

“Es un privilegio estar en una compañía que cuenta con el respaldo del Gobierno”, confiesa Rafael Bonachela. “Y un reto que se espere de mí no sólo que reavive la formación y trace una trayectoria internacional para ella, sino que genere más público para la danza en Sidney. Necesito llenar teatros y es fantástico saber que podré seguir creando hasta el 2014 y que no me faltarán invitaciones de festivales y de otros países”.

Cuando se le propuso dirigir la compañía australiana, Bonachela puso una condición: no abandonar su proyecto europeo al frente de su propia compañía en Londres. Durante dos años llevó adelante ambas cosas, pero al final no ha tenido más remedio que aparcar la Bonachela Dance Company y concentrarse en Sidney.

“El trabajo de director de la Sydney incluye el modelo americano de captación de fondos, pues el dinero privado es más del doble que la aportación gubernamental”, explica. El suyo en Australia ha sido un desembarco que en ocasiones se compara con el que tuvo Nacho Duato en la Compañía Nacional de Danza (sin olvidar que el país ya cuenta con el Australian Ballet en Melbourne para el repertorio clásico): los bailarines de la Sydney estaban, para su gusto, demasiado entregados al estilo neoclásico. “La cambié prácticamente toda. En tres años he hecho dos audiciones, porque aquello era demasiado una familia a la que se le ha olvidado que aquello es un trabajo. Su entreno era exclusivamente clásico y el mío es contemporáneo y clásico por igual”, puntualiza. De hecho, Bonachela busca diferenciarse y descartar aquellas piezas que aún siendo de corte moderno son asumidas por compañías con más recorrido clásico. Es el caso de algunos clásicos de William Forsythe, por ejemplo.

Abocado a una danza muy física, energética y de dificultad técnica, lo que se verá en esta ocasión en el Mercat de les Flors contiene cierta dosis de poesía y dulzura. “6 Breaths” surge musicalmente de una experiencia personal de Ezio Bosso en el quirófano. “Respirar, eso que hacemos sin darnos cuenta, se convierte en el centro de todo”, señala Bonachela. Una docena de bailarines abordan hasta seis conceptos de respiración: el primer respiro al nacer; quedarse sin aliento; el sollozo; respirar al unísono; el susurro, y el último suspiro. En “LANDforms”, por otra parte, la danza sería una respuesta emocional a un paisaje (desierto, selva, nieve…) y la música de Bosso, lo que lo envuelve: la lluvia, el sol, el viento, la noche, el amanecer…

por Maricel Chavarría, La Vanguardia 24 de noviembre 2011

“Labyrinth” de Cherkaoui

He aquí el trailer que sirvió de presentación para “Labyrinth”, del bailarín y coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui (Amberes, 1976):

Entrevista a Ángel Corella

Entrevista al bailarín y coreógrafo español Ángel Corella, artista principal del American Ballet Theatre, que desde hace años lucha por el reconocimiento de la danza en España.

Àngel Corella: “Ahora veo más probable mi compañía en Catalunya”

Corella, ayer en Barcelona (la fuente original no cita al autor de la foto. Quizá sea la misma periodista que firma el artículo, Maricel Chavarría).

El bailarín y coreógrafo apuesta por que el Real y el Liceu tengan una compañía estable “como un Barça y un Madrid”

Procedente de Pekín y con un espectáculo que ha convencido ya en Nueva York y Los Ángeles, Corella llegó ayer a Barcelona – “es como volver a casa, y no es un tópico”- dispuesto a seducir de una vez por todas al público y a las administraciones. Y si Artur Mas está por la labor de rescatar el ballet clásico -según dijo el bailarín-, el público puede sucumbir al reparto masculino de excepción de este Corella Ballet Castilla y León. Hablamos de Herman Cornejo (en la suite de Raymonda), Fernando Bufala, Dayron Vera, Kirill Radev o Aaron Robinson, su nuevo fichaje. Dos piezas de Christopher Wheeldon y el Soleà que María Pagés creó para Corella y su hermana Carmen completan el programa que se verá del 21 al 30 de enero en el teatro Tívoli.

Dejó a Barcelona con hambre cuando anuló el año pasado por indisposición. ¿Los nervios de actuar en Catalunya?

Tenía tantas ganas de que todo saliera bien que al ponerme las mallas para salir al escenario me di cuenta de que se me había olvidado comer. Y tras el espectáculo me cogió un bajón de azúcar.

Cambio de signo en la Generalitat. ¿Está moviendo hilos para plantear de nuevo su escuela y compañía en Catalunya?

De momento nos apoya Castilla y León y hay que ser prudentes, pero siempre estaré listo para crear un Barcelona Ballet… Ahora la veo más probable: una gran compañía y una gran escuela en las afueras de la ciudad; esa era la idea. Catalunya se lo merece. Es incomprensible que Barcelona, entre las más importantes ciudades del mundo, no pueda disfrutar de ese evento cultural.

José Carlos Martínez al frente de la Nacional de Danza. ¿Qué haría usted en su lugar?

Me da pena. Cuenta sólo con gente que lleva mucho tiempo bailando contemporáneo y no hay presupuesto para renovarla. Y dicen que quiere echar mano de mis bailarines… Por eso ni me planteé presentarme a la candidatura: es una locura. Supongo que hará ballets de repertorio pero con neoclásico o contemporáneo; un Romeo y Julieta,tal vez, o ballets donde el cuerpo de baile no sea importante y se contrate a la pareja principal. Es un gran coreógrafo de neoclásico y habrá visto la oportunidad de realizarse.

¿Y cómo encara la crisis?

Nos apretaremos el cinturón hasta que pase. En sólo tres años nos hemos posicionado como compañía, una de las más frescas e innovadoras del mundo. La danza en España empieza a resurgir de sus cenizas. Los teatros ven que da más dinero que la ópera. Es incomprensible que seamos el único país sin compañía estable en ninguno de sus teatros líricos.

Y mientras tanto va creciendo la diáspora de bailarines…

En nuestra compañía casi el 80% son españoles. Natalia Tapia, de Zaragoza; Marta Ludevid, catalana… Aaron Robinson, que ha querido unirse y dejar el Birmingham Ballet, es de familia catalana. Pero no hay presupuesto para traerlos a todos. Cuando se consideren esas dos compañías como estables en el Real y en el Liceu, y que sea una especie de Barça y Madrid, se creará más afición.

¿Le vienen a buscar los bailarines o ejerce de ojeador?

Vienen ellos. Cuando oyes que hay gente buena en una compañía quieres formar parte de eso. En cada ciudad a la que vamos hay 6 o 7 bailarines audicionando y son fantásticos, pero es que no tengo más sitio para solistas. Aaron, que es una estrella, ha acabado aceptando un contrato de solista. Es impresionante la cantidad de gente que quiere formar parte del proyecto, no sé si por mí, por la energía de la compañía, por el repertorio… Lo cierto es que tengo una joya.

Esta vez no firma nada y sólo bailará una pieza, Soleà.

Tal vez baile en DGV: Danse à grand vitesse,con música de Nyman. Mi papel en For 4 lo he tenido que ceder porque si no no puedo bailar Soleà.Pero esta es un pas de deux muy completo: en la primera parte, tan flamenca, Pagés se dedicó mucho a los brazos; y en la segunda, empieza a taconear, a dar palmas y castañuelas. “Aquí haz uno de esos saltos de El corsario”,me decía.

Coinciden varias películas sobre danza. ¿Qué le parece Natalie Portman en Black swan?¿La contrataría?

Como bailarina no creo; como actriz es fantástica. Me impactó. Sí que incurre en clichés ese thriller, pero al final tiene sentido: interpretando un papel, hay momentos en que sientes una locura momentánea. Cuesta deshacerte del personaje. Sales de un Romeo y Julieta intenso y llegas a casa devastado, como si hubieras muerto…

por Maricel Chavarría, La Vanguardia 18 de enero de 2011

Enlaces de interés: sitio web oficial de Ángel Corella (en el momento de publicar este post, no funciona), pequeño vídeo-reportaje que incluye momentos de sus ensayos, y artículo de prensa original.

El último bailarín de Mao

Li Cunxin, por Jim Caldwell

Nacho Duato se va a Rusia

Según anunció en el mes de julio, el bailarín y coreógrafo español Nacho Duato será director artístico del Ballet del Teatro Mijailovski de San Petersburgo a partir del 1 de enero de 2011, después de estar veinte años al frente de la Compañía Nacional de Danza (CND), en Madrid.

Será la primera vez en más de 100 años – desde los tiempos del bailarín y coreógrafo francés Marius Petipa, en 1869 – que un extranjero se ponga al frente de una compañía de ballet rusa.

Sin datos de la imagen (de http://www.famososvalencianos.com)

Según los críticos, el coreógrafo español revolucionará la danza rusa, aún muy anclada en la tradición clásica. “La actual falta de ideas y de coreógrafos capacitados para la danza moderna es un problema común de las compañías rusas, incluidos los dos grandes teatros del país, el Bolshoi de Moscú y el Mariinski de San Petersburgo”, comentó la crítica Tatiana Kuznetsova en el diario Kommersant.

El Teatro Mijailovski firmará con Duato un contrato por cinco años, prorrogable por 15 años. El coreógrafo valenciano podrá traer consigo a varios colaboradores y solistas aunque en el futuro deberá apostar por bailarines locales.

Vladimir Kejman, director del Mijailovski, declaró que “Es un privilegio y una responsabilidad la posibilidad de  trabajar bajo la dirección de tal maestro: nuestra compañía asimilará el estilo, el idioma y las ideas coreográficas de un gran artista, cuya obra está gestando el mañana del arte del ballet mundial. Al mismo tiempo, su trabajo dará un estímulo para que en el país crezcan y se formen coreógrafos  jóvenes propios”.

(Fuentes: La Voz de Rusia, Europa Press, AFP)

Enlaces de interés:

Declaraciones de Nacho Duato sobre su marcha

Web personal de Nacho Duato

Un adiós a Merce Cunningham

A raíz del fallecimiento del famoso coreógrafo y bailarín estadounidense Merce Cunningham el pasado 27 de julio, se han publicado numerosos artículos que, haciéndose eco de la noticia, resumen una trayectoria artística incomparable. A continuación, traduzco (inglés a castellano) el escrito de Alistair Spalding, director artístico y director ejecutivo del Sadler’s Wells, el principal teatro dedicado a la danza en Londres, para The Observer .

La calidad de Merce

Merce Cunningham actuando frente a Martha Graham in 1948. Fotografía: Philippe Halsman/ Magnum.

Merce Cunningham actuando frente a Martha Graham in 1948. Fotografía: Philippe Halsman/ Magnum.

Merce Cunningham 1919-2009

Una de los primeros espectáculos de danza que vi en mi vida fue de Merce Cunningham. Y qué manera de empezar. Fue a finales de los años 70 en el Sadler’s Wells, yo todavía estaba estudiando y mi novia me convenció para que la acompañara. Merce estaba bailando y creo recordar que toda la actuación se desarrolló tras una tela de gasa mientras en el foso de la orquesta John Cage tocaba unas caracolas al azar; era como si los bailarines estuvieran interpretando algún tipo de ballet submarino. Después no supe demasiado bien qué pensar, pero me dejó una profunda huella que pienso que me llevó finalmente a involucrarme en el mundo de la coreografía y, efectivamente, a dirigir esa misma sede.

Con Martha Graham y Pina Bausch, Cunningham ha sido una de esas figuras que ha revolucionado el vocabulario de la danza y, al mismo tiempo, ha influido en una generación de artistas de todas las disciplinas. Él demostró que la verdadera colaboración no requiere estar en la misma habitación que tu colega mientras esteis en el mismo espacio intelectualmente.

Él continuó la tradición de Diaghilev, reuniendo a los artistas más grandes de su tiempo, en su caso sumergiéndose él mismo en la escena del centro de Nueva York donde se encontraban Jasper Johns, Andy Warhol y su otro colaborador de largo plazo, Robert Rauschenberg. Pienso que su acercamiento a la colaboración será su legado. Es una cosa que he intentado seguir en el Sadler’s Wells, donde el trabajo es enriquecido como resultado del rigor necesario cuando se reunen artistas de distintas disciplinas.

Amaba el papel que la casualidad jugaba en nuestras vidas, cosa perfectamente ejemplificada en la obra del Tate Modern que Dance Umbrella encargó en el 2003. No tenía ni idea de qué escenografía proporcionaría la obra de Olafur Eliasson y no tuvieron ninguna conversación al respecto -pero la anaranjada luz de sodio y el techo de espejo fueron el ambiente perfecto para su trabajo; fue uno de los mejores ejemplos de site-specific dance que he visto.

Cunningham además proporcionó el mapa perfecto sobre cómo envejecer con elegancia manteniendo un espíritu de aventura y una curiosidad intelectual constantes. Si yo fuera coreógrafo, estaría muy contento de estar creando bailes para Radiohead o Sigur Rós a los 80 años! Dejó claro cómo debería tratarse su trabajo cuando hubiera muerto, de manera que durara mientras pudiera ser correctamente representado y no más.

Cunningham y su socio, John Cage, siempre se aseguraron de que hubiera sitio para el espacio y el silencio en su trabajo y, de algún modo, él ahora nos ha dejado con el más largo de todos los silencios.

Alistair Spalding, The Observer, domingo 2 de agosto 2009

Puede leerse el artículo original en inglés aquí.